Animación Analógica-Digital: 2008

Para comprender el concepto básico del dibujo animado hay que estra familiarizado con los fundamentos del cine. Una cámara cinematográfica rueda a una velocidad de 24 fotogramas por segundo. Cuando estos fotogramas, o 24 fotografías de un determinado sujeto durante un segundo, se poreyctan en una pantalla de cine producen la ilusión de movimiento natural.

El concepto ilusión de movimiento hace referencia a la incapacidad del cerebro humano de ver estas 24 imágenes de forma separada. De hecho el cerebro mezcla estas imágenes gracias a un proceso denominado “persistencia de visión” / “persistencia retiniana”. La visión continuada tiene lugar a partir de 24 imágenes por segundo. Por debajo de esta cifra el cerebro percibe los espacios en negro que existen entre una fotografía y la siguiente.

Si en un filme se reemplaza cada imagen fotografiada por un dibujo el resultado es una película de dibujos animados.

La idea de recrear la ilusión del movimiento con una serie de dibujos es más antigua que el nacimiento del cine. Algunos historiadores se remontan a la prehistoria, donde aparecen los primeros intentos del hombre de plasmar con dibujos el movimiento.
Una de las muestras mas tempranas está en los jabalíes pintados en las cuevas de Altamira hace 20.000 años. Sus cuatro pares de patas sugieren movimiento en un dibujo estático.
Otros descubrimientos en el antiguo Egipto oen Grecia corroboran esta tendencia a representar diferentes fases del movimiento en su arte.
Leonardo Da Vinci, pinotr, arquitecto, escultor, científico e inventor renacentista, también experimentó con la figura en movimiento. En su famosa ilustración de las proporciones humanas, Leonardo dibuja lo que parecen ser dos fases de una misma acción.

El primer intento que se conoce de una animación mediante la proyección de imágenes data de 1640, cuando el alemán Anthonasius Kircher inventó el primer proyector de imágenes: La Linterna Mágica.

Kircher dibujaba en placas de cristal que proyectaba gracias la nuevo aparato. Una de sus imágenes reproducía a un hombre que mientras dormía, abría y cerraba la boca. El efecto lo conseguía de forma mecánica, añadiendo partes móviles al cristal donde aparecia el dibujo del personaje.

El incipiente arte de la animación estuvo estancado hasta 1824, cuando Peter Mark Roget descubrió el principio de la “persistencia de la visión”. Este principio de vital importancia para el cine se basa en el hecho de que el ojo retiene las imágenes por un instante una vez que las ha visto. Este defecto hace posible ver de forma continuada una sucesión de fotografías como ocurre en el cine de imagen real.

Uno de los aparatos pioneros en la aplicación del principio de Roget fue el taumatropo, sencillo círculo de cartón montado en un eje formado por dos cuerdas. EN cada lado del disco existe un dibujo diferente. Cuando el espectador gira el circulo mediante el eje de cuerda, las dos imágenes se funden en una sola.

Aunque fueron muchos más los inventos nacidos a la sombra del principio de “persistencia retiniana”, ninguno pasó de la categoría de juguete hasta la invención del Phenakistoscopio de Joseph Antoine Plateu en 1831. Plateau consiguió plasmar el movimiento mediante el uso de una serie de dibujos que muestran diferentes fases de una acción simple.
Los dibujos están momtados en un disco, que queda semioculto por otro que tiene una serie de ranuras radiales. Ambos discos están unidos por un eje que les permite girar de forma independiente. La ilusión del movimiento se consigue al mirar por las ranuras eñ giro del circulo que contiene los dibujos.
George Horner con su Daedaleum y posteriormente William Lincoln con el Zootropo hicieron famosos estos instrumentos como juguetes ópticos capaces de crear la ilusión de imágenes en movimiento.

De todas estas invenciones anteriores al cinematógrafo, es de vital importancia para la animación el Praxinoscopio del francés Emile Reynaud, claso precursor de este nuevo arte dramático con sus Pantomimas Luminosas. Reynaud fue el primero que proyectó una acción dibujada con argumento en una pantalla. Sus dibujos estaban hechos sobre un material transparente llamado “cristaloide”, antecesor del celuloide cinematográfico.

Otra novedad óptica de la misma época es el kinetógrafo, inventado en 1868 y más conocido hoy en día como “flip-book”. EL juguete consiste en una serie de dibujos sucesivos encuadernados como un pequeño libro. Mientras una mano sujeta firme el “flip-book”, el pulgar de la otra se desliza rápidamente de una página a otra, descubriendo a su paso una acción continuada, un dibujo animado.
Al mismo tiempo, la técnica fotográfica daba sus primeros pasos. En 1823, Nicephore Niepce obtuvo una imagen fotográfica permanente mediante una placa cubierta de zinc expuesta a la luz. Louis Daguerre presentó trece años más tarde su Daquerreotipo, fijando las iamgenes en una placa de cobre plateado expuesta a vapores de iodo durante algunos minutos. El decubrimiento constituye el nacimiento oficial de la fotografía y el comienzo de una serie de invenciones destinada a captar la imagen en movimiento.

La invención de la fotografía trajo consigo el deseo de reproducir el movimiento natural, aspiración que se convirtió en obsesión en el casode Eadweard Muybridge, quién sentó el principio básico del séptimo arte con sus series de fotografías de personas y animales en movimiento. Para ello, Muybridge utilizó una batería de cámaras fotográficas que tomaban de manera consecutiva una serie de fotos del sujeto en acción.

El 28 de octubre de 1886 los hermanos lumiere ofrecen la primera proyección pública de su cinematógrafo. Ese mismo año, al otro lado del Atlantico, Thomas Alba Edison patenta la cámara de cine y comienza a realizar las primeras películas.

Nadie sabe quien fue el pionero que se dio cuenta de que la manivela de una cámara de cine se podía detener durante el rodaje para sustituir los objetos delante del objetivo sin crear una sensación de discontinuidad en la proyección. Este descubrimiento fascinó al dibujante del New York Evening World, James Stuart Blackton quien en 1896 comenzó sus exoerimentos con el rodaje foto a foto.
La combinación de su talento como dibujante y esta técnica cinematográfica tuvo como fruto la película Humorous Phase of Funny Faces. La cinta rodada en 1906 contaba con más de 3000 dibujos realizados en una pizarra y fotografiados uno a uno.

Tan solo un año antes, en 1905, el español Segundo de Chomón había utilizado la misma técnica para rodar El Hotel Electrico, el primer filme con objetos animados. Tres años más tarde Emile presento en la sala Folies Bergeres de Paris su creación Phantasmagorie que supuso el nacimiento del primer personaje de dibujos animados, el fantoche. Con dibujos extremadamente simples, Cohl consiguió dotar de personalidad y emoción a cualquier tipo de objeto, lo que le convirtió en un verdadero precursor de la animación clásica.
Otro de los artistas aventureros que se interesaron en el mundo de los dibujos animados fue Windsor McCay, ilustrador que creo Little Nemo en la presna de principio de siglo. Su trabajo más notable es Gertie, el dinosaurio.

Animación Analogica.
Procesos de animación basados en producción cinematográfica AKIRA.
Breve reseña de la película (wikipedia):

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Akira (アキラ?) es un manga en el que también se basa la película homónima de animación japonesa. Ambas obras tuvieron un reconocimiento instantáneo como clásicos dentro de sus respectivos géneros. El monumental manga, de más de dos mil páginas, fue escrito y dibujado por Katsuhiro Otomo entre 1982 y 1993 obteniendo un éxito significativo en Japón y en el resto del mundo. Premiada con el Premio Kōdansha al mejor manga en 1984 en la categoría general (一般部門).

El largometraje se separa de la línea argumental del manga por causas claras, la película fue estrenada 5 años antes de la conclusión del cómic. Akira se ambienta en la ciudad futurista de Neo-Tokio, representada con profundo detalle en la película de animación (se invirtieron cerca de siete millones de dólares solo en los decorados)

En 1988 se estrenó la película animada - antes de finalizar el manga - que supuso un salto cualitativo en la animación japonesa al dotarse de un gran presupuesto gracias al Comité Akira que se formó a propósito para producir el filme. La película fue dirigida también por Katsuhiro Otomo.

Esta película marcó el inicio de la difusión del manga y el anime fuera de Japón, gracias al impacto que provocó en los espectadores de todo el mundo. Es considerada por muchos como la mejor película de animación japonesa, junto a las dirigidas por Hayao Miyazaki.

Ficha técnica:

Director................................Katsuhiro Otomo
Año de producción...............1988
Guión................................... Katsuhiro Otomo, Izo Hashimoto y J. Michael Haller
Producción..........................Ryohei Susuki y Shunko Kato
Productor ejecutivo.............Sawako Noma
Fotografía...........................Katsuji Misawa
Jefe de animación...............Takashi Nakamura
Directores de animación.....Yoshio Takeuchi e Hirokai Sato
Montaje..............................Takeshi Seyama
Música................................Shoji Yamashiro
Diseño de producción.........Kuzuo Ebisawa, Yuji Ikehata y Koji Ono
Director artístico...............Toshihari Mizutami
Nacionalidad.....................Japón / EE. UU.
Duración............................124 minutos

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Centrandonos en el año 1988, el proceso de animación era básicamente analógico en todas sus fases, incorporándose los procesos digitales tales como la inclusión del “video “ (en cuanto a digitalización de imágenes) en ámbitos de pruebas de línea y ediciones finales en procesos de post-producción. En este caso concreto de la filmación de la película Akira y como podemos ver en uno de los videos explicativos, el hecho de digitalizar un proceso antes de su ejecución tradicional, conllevaba un control más estrecho sobre lo el resultado final pretendido.

La consecuencia directa de este hecho es un ahorro en los costes de producción. El proceso de digitalización de la animación, grosso modo conlleva un ahorro en la inversión total de una producción. En este año, 1988, se empieza a ver la aplicación de estos procesos en producciones de alto presupuesto, es decir largometrajes. Las grandes productoras son las que empiezan a introducir estos elementos digitalizadores para ahorrar en costes, pero a su vez, dotar a los artistas de mayores recursos para crear mejores productos.

En los ámbitos de la producción de series para la TV, esta incursión digital tardaría más en producirse. Las llamadas “pruebas de línea” se filmaban en cine (en película) para más tarde revelarse tradicionalmente y ver su resultado.

No hace muchos años en esta facultad, en la especialidad de animación se seguía utilizando este sistema de filmación por truca y su posterior revelado, con el respectivo tiempo de espera de la lata ya revelada. Los procesos digitales aparte de abaratar costes, disminuyen los tiempos de producción.

Tendemos a asociar la digitalización, como un proceso aplicado casi en su totalidad a la parte de la producción o post-producción. Más adelante veremos como en la actualidad los procesos digitales abarcan totalmente el proceso integro de las producciones animadas. Fijémonos en como se aplica el color a todos y cada uno de los “cels” (fotogramas) impresos en acetato, y la complejidad de su codificación para que toda la película tenga una coherencia estética continua. Es interesante también el proceso de la creación de los personajes, a la manera tradicional, en papel y lápiz; este proceso hoy en día está desapareciendo, y directamente se dibuja “digitalmente”